Изобразительное искусство России период: X-XX века
В Древней Руси живопись возникла и
развивалась в тесной связи с иконопочитанием, в основе которого лежит
учение о Боговоплощении (в христианской традиции первой иконой был
чудесно явленный убрус - прижизненное изображение лика Христа). Через
икону православие утверждает себя как зримо-явственную истину. Иначе
говоря, икона есть богословие, выраженное не словесно, а образно,
"умозрение в красках" (Е.Трубецкой). Отсюда вытекает присущий только ей
своеобразный художественный стиль. Чисто эстетическое переживание не
играет самостоятельной роли. Цель иконописания - отразить (и вызвать)
молитвенную собранность, умиротворенность в общении с Богом, что
объясняет развитие в иконах особых художественных средств - обратной
перспективы, наличия в пространстве иконы нескольких точек зрения,
иерархической соподчиненности изображаемых объектов и т.д.
Вместе с христианством русские мастера усвоили византийский
художественный стиль и выработанную веками технику. В дальнейшем в
русских княжествах складываются местные иконописные школы, со своими
особенностями письма - новгородская, псковская, ярославская, тверская и
т.д.
Наивысшего расцвета русская средневековая живопись достигла в XIV-XV вв. в деятельности Феофана Грека и Андрея Рублева.
Вершиной русского иконописания является "Троица" (1422-1427) А.Рублева,
которую мастер создавал как символ духовного согласия и единения
русских людей.
Для икон и фресок московских живописцев XV - XVI
вв. характерны мягкость письма и гармония красок. Их художественные
приемы получили развитие в иконах и фресках Дионисия, привлекающих
изяществом пропорций, праздничностью колорита, уравновешенностью
композиций.
С середины XVI в. иконопись подвергается влиянию
западноевропейского изобразительного искусства. Развитая иконография
икон придворной школы использует западноевропейские сюжетные схемы.
Конец XVI - начало XVII веков ознаменовано развитием "строгановской
школы" (которая, несмотря на название, также состояла в основном из
придворных царски мастеров) отличающейся изысканностью цвета и
внимательной проработкой деталей, тенденцией к некоторой декоративности и
"красивости" живописи.
Во второй половине XVII в. появляются
иконы "фряжского письма" - с использованием элементов западноевропейской
живописи: масляных красок, подобия светотеневой моделировки, большего
правдоподобия в изображении людей и природы. Наиболее известный
представитель этого направления - Симон Ушаков (XVII в.). К этому
времени относятся и первые попытки светского портрета - т.н. парсуны.
Пробуждение интереса к иконе, как к "великому, мировому искусству"
(Е.Трубецкой), наблюдается с конца XIX в. - в связи с расчистками
потемневших древних образцов и обнаружением их подлинного цветового
строя. Художественные принципы иконописи творчески применяли как
отдельные русские (В.Васнецов, М.Нестеров, К.Петров-Водкин) и зарубежные
(А.Матисс) художники, так и целые направления и школы авангарда.
Древнерусская скульптура существовала в виде декоративной резьбы по
камню и дереву и была в большинстве случаев полихромной (т.е., как
западноевроепская скульптура, расписывалась темперой или масляными
красками). Пластическому воплощению подлежали в основном образы святых,
главное внимание уделялось лику, а формы тела укрывались под одеждами,
из-за чего фигуры выглядят плоскими.
В XVIII - нач. XIX в.
изобразительное искусство в России, следуя культурным запросам общества,
проходит все главные этапы западного искусства: барокко, классицизм,
романтизм. Ведущую роль играют приглашаемые в Россию иностранные
живописцы и скульпторы, но уже при императрице Елизавете I появляются
высокоодаренные отечественные мастера. С середины XVIII в. ведущим
направлением в живописи становится академизм, для которого характерны
строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам,
условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и
мифологии. Однако наивысшим достижением этой эпохи можно считать не
историческую живопись, а портрет (А.Аргунов, А.Антропов, Ф.Рокотов,
Д.Левицкий, В.Боровиковский, О.Кипренский). Первым крупным русским
мастером скульптурного портрета стал Ф.Шубин.
Расцвет
академической школы приходится на пер.пол. XIX в. Для полотен К.Брюллова
характерны сплав академического классицизма с романтизмом, новизна
сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения, сложность
композиции, блестящая виртуозность кисти. Первым вступив на путь
свободного, самобытного творчества, он пробудил в публике живой интерес к
искусству и поднял общественное значение художника. А.Иванов придал
своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел преодолеть
многие шаблоны, свойственные академической технике. В дальнейшем лучшие
традиции академизма нашли развитие в грандиозных исторических полотнах
Г.Семирадского.
В скульптуре традиции классицизма были
поколеблены Н.Пименовым, чей "Парень, играющий в бабки" был оценен
А.Пушкиным как рождение "народной скульптуры", и И.Мартосом - за счет
придания их творениям черт современности.
Своим путем в это время
шел П.Федотов - блестящий дилетант, тонкий наблюдатель и остроумный
сатирик, предвосхитивший дальнейшее направление русской жанровой
живописи.
Общественные устремления 1860-1870-х гг. пробуждают
преимущественный интерес художников к темам из народной жизни. В 1872 г.
в противовес Академии художеств создается Товарищество передвижных
художественных выставок (И.Крамской, Г.Мясоедов, К.Савицкий,
И.Прянишников, В.Маковский, И.Ярошенко, В.Перов и др.). В их творчестве
бытовая живопись приобретает обличительный характер.
Обращение к
национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и
батальной живописи. Подлинные шедевры в этих жанрах создали В.Суриков,
И.Репин, Н.Ге, В.Васнецов, В.Верещагин, Ф.Рубо. Естественность
композиции, верность исторической правде сочетается в их работах с
мастерским использованием всего арсенала художественных средств в
трактовке образов и событий. Историческая тема мощно звучит и в
скульптуре (П.Антокольский).
В эти годы открываются первые
национальные художественные галереи; произведения русских художников
начинают регулярно появляться на международных выставках и в заграничных
художественных салонах.
Достигнув творческой самостоятельности,
русская живопись с конца XIX в. двигается в общем русле европейского
изобразительного искусства. Пейзаж вытесняет бытовую живопись.
Стремление к передаче воздуха и света, работа на пленэре, характерные
для импрессионизма, наблюдается и в творчестве Ф.Васильева, И.Левитана,
В.Поленова, В.Серова, К.Коровина, А.Архипова. Символизм, неоклассицизм,
модерн оказывает заметное влияние на А.Врубеля, художников из "Мира
искусства" (А.Бенуа, Л.Бакст, Е.Лансере) и "Голубой розы" (С.Судейкин,
Н.Крымов, В.Борисов-Мусатов).
В 1910-е гг. зарождается русский
авангард - как стремление перестроить основы искусства вплоть до
отрицания самого искусства. Целый ряд художников и творческих
объединений создают новые школы и направления, которые определяющим
образом повлияли на развитие мирового изобразительного искусства -
супрематизм (К.Малевич), "импровизационный" стиль и абстракционизм
(В.Кандинский), лучизм (Ларионов) и др. Многие художники русского
авангарда продолжали свою деятельность и в Советской России. В 1920-е
гг. широкое распространение получил конструктивизм (В.Татлин),
выдвинувший задачу конструирования материальной среды для создания
логичных, функционально оправданных форм. Одновременно происходит
изменение эстетических и социальных установок авангарда - теперь
художники этого направления демонстрируют обращенность к жизни,
стремление к ее переустройству средствами искусства
(жизнестроительство).
Скульптура в эти годы перестает
отождествляться с пластичностью и все чаще направляется на выявление
скульптурности машинных форм. Стирается контраст между пластичностью и
геометризмом, что открывает невиданные прежде возможности перед
промышленным дизайном.
С 1930-х гг. растет идеологический нажим
на художников авангарда. Все чаще слышатся обвинения в формализме и
потакании эстетическим вкусам буржуазии. В 1937 г. программная статья в
"Правде" причисляет всех художников этого направления к "пачкунам".
Следование официальной художественной доктрине соцреализма нанесло
большой ущерб творчеству многих художников. Однако в работах И.Грабаря,
П.Корина , А.Дейнеки, М.Сарьяна, К.Юона, М.Грекова, А.Герасимова,
А.Пластова удачно сочетается верность традициям реалистической живописи с
достижениями модерна - в основном импрессионистов и Сезанна
С
1960-х гг. наступает возрождение русского авангарда. Мировое признание
получает искусство О.Целкова, В.Немухина, И.Шелковского, О.Рабина,
А.Зверева, М.Шемякина, Л.Сокова, Э.Неизвестного. Одни из этих художников
продолжали или восстанавливали принципы уже существующих школ и
направлений, другие создавали новые - концептуализм (И.Кабаков) и соцарт
(Комар, Меламид).
"Разрешенная", но не официзная часть
советского искусства в 1960-е гг. представлена работами мастеров
"сурового стиля" (Т.Салахов, С. Попков). В 1970-1980-е гг. получило
признание творчество советских художников - Р.Бичунаса, Р.Тордия,
Д.Жилинского, Э.Штейнберга, М.Ромадина, М.Лейса, В.Калинина и др.,
убедительно доказавших, что в СССР существовала не только "пропаганда".
Крах коммунизма в СССР снял искусственные культурные барьеры между
Россией и остальным миром. Ныне российское искусство является желанным
гостем практически в любом уголке земного шара. Это вселяет оптимизм,
ибо культурные обмены - безошибочный барометр, показывающий состояние
атмосферы мирового искусства.